Récupérer et subvertir

Le mouvement américain Harlem Renaissance a influencé de nombreux artistes noirs dans les années 1920. Karie Wentz, chercheuse en histoire et culture afro-américaine, a déjà résumé les quatre caractéristiques de ce mouvement: L’histoire des Afro-Américains, y compris l’héritage africain et les mémoires de la vie dans le Sud; deuxièmement, explorer tous les aspects de Harlem et de la vie urbaine; troisièmement, de nombreux ouvrages explorent l’influence des relations raciales et du racisme; quatrièmement, consciemment dans la création L’utilisation d’éléments culturels africains. Faith Ringgold (1930-), artiste féminine née et élevée dans la communauté de Harlem, se nourrit naturellement de la culture, nourrie par cette culture.

Fiss Lingerd est une pionnière des artistes américaines noires au XXe siècle et au cours de ses 40 années de carrière dans les domaines de l’art, de la conscience raciale et du genre, elle a toujours été centrée sur les Afro-Américains, en particulier les Afro-Américains. La situation de vie des groupes de femmes tente de retrouver la mémoire nationale grâce à la combinaison des techniques africaines traditionnelles et de l’art moderne occidental, tout en renforçant l’identité et l’identité culturelle de groupes afro-américains.

Ramasser de la mémoire
Le critique littéraire américain noir Gates a déjà souligné: “Le souvenir est une caractéristique de la culture noire américaine.” Il était interdit aux Noirs d’obtenir des outils de mémoire formels pendant la période d’esclavage – lecture et écriture. Après la fin de l’ère de l’esclavage, ils étaient toujours gênés. Impossible de connaître votre propre histoire. Par conséquent, la réécriture de l’histoire et la récupération de la mémoire nationale sont devenues un sujet important de la culture afro-américaine. C’est également un moyen pour les Afro-Américains de rechercher une identité et une conscience raciales.

Fiss Lingerd est l’une des rares femmes artistes afro-américaines à avoir suivi une formation universitaire à la même époque: elle entra au collège après avoir obtenu une maîtrise de la City University de New York en 1959. Limgard a accepté la formation de peinture occidentale traditionnelle au collège puis est allé étudier et étudier en Europe. Au début des années 1960, inspirée par les droits du peuple noir, inspirée par la mission du groupe ethnique, elle a commencé à participer au mouvement pour la défense des droits civiques et à créer le premier travail thématique politique. La série “people” a depuis ouvert le rideau de la création de thèmes afro-américains.

En 1967, Ringeld a créé le final de cette série, “Death”. Ce travail est basé sur Guernica de Picasso, qui utilise des mouvements de caractères et des expressions exagérés pour créer l’impact de l’image, montrant la violence et la panique causées par de violents conflits ethniques. La photo représente une scène chaotique dans laquelle des hommes noirs et blancs sont armés de fusils et de pistolets. Les éclaboussures sanglantes semblent projeter l’image. Les femmes et les enfants ont été innocemment impliqués dans cette “guerre” et n’ont d’autre choix que de s’échapper. Mais qu’il s’agisse de femmes blanches ou de femmes noires, elles utilisent leur corps pour faire de leur mieux pour loger de jeunes enfants. Évidemment, dans ce travail, la formation des femmes par Fès n’est pas un participant à la violence, mais un sauveur héroïque. Il convient de noter que les frontières ethniques du monde des adultes semblent floues et s’estompent chez les enfants: il y a deux enfants de couleurs de peau différentes au centre de la photo, ils sont abasourdis et regardent autour de eux, le petit garçon à la peau blanche se retroussera les jambes de la fille noire. Protégez-le bien. En effet, les différences raciales et les préjugés ne sont pas nés, mais sont causés par de nombreux facteurs tels que la société, la culture et l’éducation. Le style de peinture de style bande dessinée ainsi que le corps et l’expression des personnages extrêmement exagérés affaiblissent le réalisme inhérent aux œuvres historiques, mais cette œuvre est, dans une certaine mesure, le véritable portrait du mouvement américain des droits des peuples noirs.

La mémoire des Afro-Américains ne constitue pas un simple cycle de confrontations ethniques, mais la vie dans les villes du nord a également créé des souvenirs uniques pour les Afro-Américains. Dans la série “Join Jones Road” de 1999, écrite par Lingeld, le processus de déplacement des Noirs du sud au nord a été enregistré. Le peintre utilise la silhouette noire pour évoquer le groupe afro-américain: il fait la navette entre les bois sauvages et s’organise pour se rendre à destination – la ville du nord. Il y a une lune brillante au-dessus de la photo, cachée dans les buissons pour la migration. Les Noirs éclairent la route et symbolisent la lumière de la vie future. En outre, Lingerde montre également les aspects positifs des Noirs dans de nombreuses œuvres, telles que les peintures de scènes de rue illustrant les paysages animés de la rue de la communauté de Harlem; les blancs dans le “pique-nique de l’église” imitant la classe supérieure se tiennent dans les banlieues. Party et chanteurs noirs qui chantent et dansent dans la série “Jazz Story”.

La création de la mémoire nationale par Lingerde n’est pas seulement une histoire répressive, elle ne doit pas non plus transformer les Afro-Américains en une image de victime faible, mais elle a pour objectif principal d’établir un lien historique entre des individus afro-américains et des groupes ethniques. Connaissance de la trajectoire du destin de l’ethnie, ces traumatismes refoulés se transforment en souvenirs partagés et partagés par le groupe, tout en incarnant le courage de rechercher activement l’auto-reconstruction et en fin de compte, de surmonter les entraves du passé. Bien entendu, ces souvenirs fragmentés semblent nécessiter des liens essentiels pour les assembler et les retenir.

Lien de mémoire
L’utilisation consciente d’éléments culturels africains dans la création est une caractéristique distinctive des artistes afro-américains. Fiss Lingerd s’est inspiré de l’artisanat africain traditionnel pour se nourrir et, dans les années 1970, a commencé à essayer d’utiliser des courtepointes pour coudre des cadres pour ses œuvres, au lieu de la toile traditionnelle étirée sur des bandes de bois.

La couette afro-américaine est un art artisanal qui combine un patchwork traditionnel africain avec la culture occidentale. Les femmes noires de l’époque de l’esclavage américain ont cousu et épissé les tissus restants et rassemblé de vieux vêtements pour en faire un tissu complet destiné à l’utilisation de nappes, rideaux et draps. Les tissus de différentes couleurs ont été tissés sous la ligne de pression noire entrelacée. Superbe brillance. Au fur et à mesure que les conditions économiques des familles afro-américaines s’améliorent, les tissus sont de plus en plus disponibles et la connotation d’art en patchwork est passée d’un symbole de misère précoce et de pauvreté à une «nostalgie poétique» plus détendue.

L’arrière-grand-mère de Lingerde était une esclave noire et cousait un patchwork pour le compte des employeurs américains blancs alors elle a conservé les compétences traditionnelles du patchwork africain dans la famille. L’expérience de l’éducation artistique de l’Académie occidentale de Lingeld l’a inspirée à intégrer l’art européen sur la base de styles traditionnels, en étendant directement le tissage à l’œuvre elle-même et en créant directement la toile avec le patchwork cousu. Ce style préserve non seulement l’histoire et la décoration du patchwork traditionnel africain, mais s’harmonise parfaitement avec les peintures à l’huile de l’Ouest, donnant ainsi une nouvelle vitalité au patchwork africain.

Sur le thème, les travaux de patchwork de Ringeld sont davantage axés sur l’expérience de survie des femmes afro-américaines. Par exemple, dans l’ouvrage de 1991 intitulé “In Arles Weaving Sunflowers”, des femmes noires s’installent autour du champ de tournesols d’Arles et font des patchwork de motifs de tournesols, même si cet énorme patchwork prend beaucoup de temps. Le temps, mais il ne semble pas y avoir de fatigue sur leurs visages, ils se tressent tout en bavardant. En effet, pendant la période de l’esclavage aux États-Unis, les esclaves noirs très occupés les jours de semaine ne peuvent que se réunir avec leurs familles et partager les anecdotes de la vie quand ils travaillent ensemble. Il est à noter que sur le côté droit de la photo, une femme noire se tient à côté d’un serveur tenant un tournesol: il s’agit de Van Gogh et il ya des tournesols qui les ont entourés et qui sont apparus dans les œuvres de Van Gogh. Chalet jaune. Limgard a utilisé les figures célèbres de l’histoire de l’art occidentale et ses œuvres pour traiter les grands artistes masculins comme des serveurs servant des femmes en patchwork, et a mis en doute la différence entre les créatrices et les créateurs de cette manière ludique, tout en masquant la tradition. La ligne entre l’artisanat et la peinture. On voit également que Lingerd a essayé de rompre avec la fascination pour l’art occidental avec la création de vêtements et de rompre avec l’esclavage occidental de l’esprit de culture de soi, sauvant ainsi sa culture nationale des ruines.

En fait, le patchwork n’est pas seulement un symbole des matériaux d’artisanat africain ou de la culture folklorique, il joue également un rôle important dans l’unification du groupe de femmes afro-américaines – la lutte pour réunir les femmes afro-américaines, rappeler les souvenirs de la nation et leur destin. Reliés les uns aux autres. Bien sûr, Ringeld ne considère pas le patchwork comme le seul art féminin noir orthodoxe, le plus important étant de stimuler la conscience de soi des femmes noires et d’élargir leurs possibilités de création artistique.

Remodeler l’image
Dans les années 1970, Lindeld a été influencé par les pensées féministes, transformant sa vision créative du destin des Africaines dans son ensemble à l’attention des femmes noires, qui sont devenues les protagonistes de leurs œuvres. L’image des femmes américaines noires est depuis longtemps mal comprise: les œuvres littéraires, cinématographiques et télévisées la décrivent comme des femmes diaboliques, ridicules et corrompues moralement. Patricia Hill Collins, érudite féministe noire, estime que l’idéologie est la principale raison du statut peu élevé des femmes afro-américaines: l’imposition d’un ensemble “d’images dominantes” restreignant la liberté des femmes noires est celle de la race, du sexe et de la classe Afin de consolider sa position supérieure et sa position sujet, les Blancs manipulent et construisent des images féminines noires telles que des objets sexuels, des baby-sitters et des parents de sexe féminin en fonction de leurs propres besoins et les diffusent largement.

Le travail de Lingerde vise à libérer les femmes noires de l’aspect idéologique en reconstruisant l’image des femmes noires positives. Sa stratégie de construction d’images féminines comporte deux aspects principaux: premièrement, renverser les stéréotypes de la femme noire dans l’esprit des gens, mettre l’accent sur la diversité de leurs images et de leurs propres sentiments, deuxièmement, par l’implication des femmes noires dans des œuvres classiques, dans leur histoire et leur culture. Trouvez le droit de parler.

La série “Slave Atrocities”, créée en 1972, est le premier ensemble d’œuvres de Ringeld sur le thème des femmes afro-américaines. La photo représente une femme noire enceinte et nue qui court avec un couteau et une hache dans la brousse pendant l’esclavage. Cela semble être un one-man-show, mais il y a aussi une personne potentielle dans le travail – un oppresseur blanc qui confronte la femme noire enceinte. Lingeld a décrit les femmes noires comme des mères intrépides et des héros nationaux, renversant l’image des femmes noires négatives et lâches lorsqu’elles ont affronté la crise nationale dans “Le serment des frères” de David. De plus, dans le travail “House of Women”, les femmes jouent différents rôles professionnels: basketteuses, enseignantes, entraîneures, policiers et dans la série “Jazz Story”, les femmes noires sont des chanteuses populaires dotées de leur propre scène. Sous la plume de Lingelde, les femmes afro-américaines ne sont plus présentées comme des travailleuses à armes épaisses, ni comme des esclaves nues ou victimes de la traite sexuelle: elles sont naturellement séparées des ancêtres qui paraissaient auparavant dans des œuvres d’art. , montrant une personnalité et une image complètes, pleines et éclatantes.

La “Danse au Louvre”, créée en 1991, est un classique de la série “French Collection”. Ce travail montre la scène de deux femmes noires en visite au Louvre en France avec trois filles noires. Contrairement aux esclaves aux cheveux noirs de Jérôme aux seins nus et au lin enveloppé dans la tête, les femmes noires représentées sur la photo sont toutes vêtues de chaussures en cuir raffinées et de robes magnifiques. Ce ne sont pas des barbares dans la jungle, ni des esclaves qui se mettent à genoux à côté des nobles, mais des femmes égales en harmonie avec l’espace moderne du musée. Ils ont utilisé la cérémonie de célébration africaine traditionnelle – la danse pour commémorer le droit d’entrer dans le sanctuaire d’art européen et de profiter du patrimoine culturel mondial avec les Blancs. En fait, l’importance de ce travail est bien plus que cela. Tout d’abord, du point de vue de la composition des œuvres, la mère et la fille noires sont parallèles au mur rouge situé derrière elles: la méthode de la peinture à plat réduit la perspective spatiale de l’image, réduisant ainsi la distance entre les personnages et les peintures murales. Sur le mur rouge se trouvent trois tableaux célèbres de Léonard de Vinci: “Mona Lisa”, “La Vierge et l’Enfant et Sainte Anne” et “La Vierge aux rochers”. Les deux derniers tableaux représentent le mouvement de la Vierge et du Fils dans les bois. Photo Comme nous le savons tous, le thème de la Vierge à l’enfant est le thème classique de la peinture religieuse occidentale: la Madone est dépeinte comme une femme à la peau blanche et considérée comme l’incarnation de la sainteté et de l’amour. La position de l’image de la Vierge à l’Enfant dans ce tableau est pleine d’infériorité: elle est en harmonie avec la mère et la fille afro-américaines qui dansent au premier plan.La scène apparemment fortuite est en fait très élaborée par Lingerde, assimilant la mère noire et l’enfant à la Vierge et le Fils. , subvertissant le concept traditionnel. Bien entendu, il ne s’agit pas d’une imitation boiteuse de l’image blanche suprême, mais bien d’une question ridicule d’interprétation erronée des femmes noires en une image de débauche et dégradante dans les œuvres occidentales: elle relie la mère noire au sens sacré de la Vierge. L’éclat de la maternité. En outre, les chefs-d’œuvre de Da Vinci ont pris leur retraite et les spectateurs se concentrent en premier lieu sur les femmes afro-américaines façonnées par Lingerde: c’est en quelque sorte l’identité de l’artiste noire. Est-ce un défi à la position dominante des artistes masculins blancs.

Dans ce travail, ni le «critique» ni le tableau lui-même n’ont une image masculine, c’est pourquoi Lingerde entend exclure les hommes et laisser les femmes occuper complètement l’espace du musée et créer une utopie pour eux. En effet, dans les différents tableaux exposés au musée, il existe d’innombrables images de femmes, mais seule une poignée d’artistes de sexe féminin peut être enregistrée dans l’histoire, souvent oubliée ou déformée par l’identité du sujet de la création artistique. . Limgard a l’intention de trouver une place appropriée dans la séquence de l’histoire de l’art et de trouver le droit de s’exprimer dans l’histoire et la culture grâce à l’intervention des femmes noires dans l’espace muséal.

La féministe post-moderne française Elena Sisu incite les femmes à rompre avec le monde de la construction pour hommes et à écrire elles-mêmes, à savoir «l’écriture négative». Fes Lingerd est la praticienne de cette théorie qui fuit le cadre de la création artistique établi par les hommes et la culture occidentale, cherche la façon dont les femmes noires écrivent et s’injecte leur forte conscience de soi et l’identité des femmes afro-américaines. Dans la création artistique, la création de femmes noires suscite constamment des discussions sur la race, le sexe et la classe. La création de Lingerde est un multi-prisme de l’expérience de survie des femmes afro-américaines, reflétant la situation des femmes noires dans différentes situations, et le groupe des femmes noires transmet la force positive de la recherche de soi-même, comme le disait Wilde: Le caniveau, mais il y a encore des gens qui regardent les étoiles. “